푸투라서울 FUTURA SEOUL

에스 데블린은 오랫동안 '현존(Presence)'을 탐구해 왔다. 그에게 현존은 단지 지금 이곳에 존재한다는 의미가 아니다. 책을 통해 되살아나는 목소리, 거울 속에서 마주하는 타인, 빛과 자연이 만들어내는 시간의 감각, 그리고 인간 너머의 생명들과 하나의 세계를 살아간다는 자각까지. 서로 다른 존재들이 관계를 맺는 순간 드러나는 경험이 그의 작업을 관통한다.

영국 출신의 에스 데블린은 오페라와 연극 무대에서 출발해 U2, 비욘세, 아델의 공연, 2012년 런던 올림픽 폐막식과 2022년 슈퍼볼 하프타임 쇼까지 동시대를 대표하는 장면들을 설계해 왔고, 2016년 이후에는 이 공간의 언어를 미술관과 공공 공간으로 확장해 왔다. 그에게 관객은 작품을 바라보는 사람이 아니라, 하나의 공간과 시간을 함께 경험하며 관계를 만들어가는 '일시적 사회(Temporary Society)'다.

《세 번째 시: 에스 데블린, 다시 집으로》는 푸투라서울이 이어가는 '백 개의 시'의 세 번째 장이다. 앞선 두 편의 시가 공간을 어둠 속에 잠기게 했다면, 이번 전시는 처음으로 자연광을 안으로 들인다. 빛이 들어오는 순간 건물의 곡면과 하루의 시간은 작품의 일부가 되고, 공간은 배경이 아니라 이 시의 주인공이 된다. 에스 데블린은 이를 '빛의 언어로 쓴 시'라 부른다.

여정은 작은 도서관에서 시작된다. 책 속에서 되살아난 목소리들은 거울 속에서 자신과 타인을 마주하는 경험으로, 하나의 빛줄기와 자연의 시간이 겹쳐지는 풍경으로 이어진다. 수백 권의 스케치북은 하나의 화면이 되고, 그 일부는 관객의 손으로 옮겨져 새로운 사유의 씨앗이 된다.

서울에서 새롭게 제작된 <Come Home Again>은 런던과 서울의 생명들을 하나의 풍경으로 엮으며, 도시 또한 수많은 존재들이 함께 살아가는 집임을 일깨운다. 관객은 읽고, 듣고, 기록하며 작품의 일부가 된다.

여정의 끝에서 공간은 정원을 향해 열린다. 물 위에 정원이 비치고, 빛은 하루의 마지막 시간을 통과한다. 그곳에서 우리는 자신과 타인, 인간 너머의 생명들이 하나의 집을 나누어 살고 있음을 알아차리게 된다. 다시, 집으로 돌아가는 길이다.

For many years, Es Devlin has explored the idea of Presence. To her, presence is not simply a matter of being here and now. It is found in voices revived through books, in encounters with others reflected in a mirror, in the sense of time revealed through light and nature, and in the awareness that we share one world with life beyond the human. Her work is rooted in these moments when relationships between different beings make presence tangible.

Born in the United Kingdom, Es Devlin began her career designing opera and theatre productions before creating some of the defining visual spectacles of our time, from performances for celebrated musicians to the Closing Ceremony of the London 2012 Olympic Games and the 2022 Super Bowl Halftime Show. Since 2016, she has expanded this language of space into museums and public realms. For Devlin, the audience is not simply a viewer, but a "Temporary Society"—a community formed through sharing the same space and time, and through the relationships that emerge from that shared experience.

3rd Poem: Es Devlin, Come Home Again is the third chapter in FUTURA SEOUL's ongoing series, One Hundred Poems. While the first two poems immersed the space in darkness, this exhibition welcomes natural light into the museum for the first time. As daylight enters, the building's curved architecture and the passing hours become part of the work itself. The space is no longer a backdrop, but the protagonist of this poem. Es Devlin describes it as "a poem written in the language of light."

The journey begins in a small library. Voices revived through books lead to encounters with oneself and others in a mirror, then unfold into a landscape where a single beam of light intersects with the rhythms of nature. Hundreds of sketchbooks come together to form a moving image, and fragments of that image are carried away by visitors as seeds for new reflections.

Come Home Again, newly created for Seoul, weaves together the living species of London and Seoul into a shared landscape, reminding us that a city, too, is a home inhabited by countless forms of life. Visitors become part of the work by reading, listening, and leaving their own traces.

At the end of the journey, the space opens onto a garden. Reflected upon the water, the garden and the fading light mark the day's final passage. There, we come to recognize that we, others, and the more-than-human world all share the same home. It is, once again, the journey home.

미러 메이즈는 '거울의 방(hall of mirrors)'을 인간의 기호와 상징이 만들어내는 반짝이는 피드백 루프에 대한 은유로 사용하는 현대 생태철학자들의 사유에서 출발한다. 이러한 기호와 상징은 우리의 시선을 매혹하는 동시에, 인간이 생물권(biosphere)의 다른 존재들과 이어져 있는 연속성을 때로는 가로막고, 때로는 확장시키는 진동을 만들어낸다.

The Mirror Maze draws on my reading of contemporary eco-philosophers who use the “hall of mirrors” as a metaphor for the glimmering feedback loops of humans’ signs and symbols that enchant our gaze and oscillate between obstructing and extending our continuity with the rest of the biosphere.

''돔(dome)'이라는 단어는 본래 '집(home)'을 의미했다. 이 작품은 우리의 집과 도시를 다양한 종(種)과 문화가 서로 연결된 하나의 그물망으로 보고, 듣고, 느껴보도록 초대한다. 또한 위협받는 존재들의 이름을 배우고 기억하며, 그 이름을 함께 노래함으로써 그들의 존재를 이어가도록 제안한다.

이 작품은 92세의 기후운동가 조애나 메이시(Joanna Macy)의 다음과 같은 말을 떠올리게 한다.

"이제 우리는 깨달을 수 있습니다. 우리는 스스로를 인식하는 세계입니다. 고립감을 내려놓을 때,

우리는 다시 집으로 돌아갑니다… 우리는 서로에게 속해 있다는 감각 속으로 돌아갑니다."

우리는 종(種)을 잃어가는 것만큼 빠른 속도로 언어 또한 잃어가고 있다. 생물권의 다양성이 위협받는 것과 나란히, 인간 문화와 언어를 아우르는 에스노스피어(ethnosphere)의 다양성 역시 위기에 놓여 있다.

‘Dome’ originally meant a home. The work invites us to see, hear, and feel our home, our city as an interconnected web of species and cultures; to learn and remember the names and sing those under threat into continued existence.

The work echoes the invitation invoked by the 92-year-old climate activist Joanna Macy:

“Now it can dawn on us: we are the world knowing itself. As we relinquish our isolation, we come home again… we come home to our mutual belonging.”

We are losing languages as fast as we are losing species: the diversity of the ethnosphere is endangered in parallel with that of the biosphere.

하나의 영화 스크린이 수백 권의 스케치북으로 이루어진다. 이 스케치들은 지난 35년 동안 만들어진 것으로, 런던의 생물종을 그린 드로잉도 있고, 내 아이들을 그린 드로잉도 있으며, 대부분은 아이디어를 구상하거나 협업자들과 공유하기 위해 남긴 작업 과정의 흔적들이다.

2008년 무용수 담 반 후인(Dam Van Huynh)과 함께 제작한 영화의 일부 장면을 활용해, 그는 이제 18년 더 젊은 자신의 모습과 함께 춤추는 인물로 등장한다. 영상이 끝나면 관객은 스크린의 한 조각인 스케치 한 장을 가져갈 수 있다.

작품은 관람이 끝난 뒤에도 이어진다. 관람객은 스케치 한 장을 가져갈 수 있으며, 손으로 그린 한 장의 이미지는 씨앗처럼 작가의 작업실을 떠나 각자의 삶과 공간으로 옮겨간다. 작품은 그렇게 또 다른 기억과 사유의 출발점이 된다.

A cinema screen is formed of hundreds of sketchbooks. The sketches have been made over the past 35 years: some are drawings of London species, some drawings of my kids, lots of process drawings - traces of me trying to work out ideas or share them with collaborators.

Using fragments of a film that I made with the dancer Dam Van Huynh in 2008, he is now portrayed dancing with his 18-year younger self. At the end of the film, the audience is invited to take a single sketch, a fragment of the screen, away with them.

The work continues after the viewing experience has ended. The audience is invited to take a single sketch away with them. Like a seed, the hand-drawn image leaves the artist’s studio and travels into their own lives and spaces, becoming the starting point for new memories and reflections.

나는 하나의 빛의 선을 보며 잠에서 깨어났다. 그것만이 내가 세상을 인식할 수 있는 유일한 단서였다.

내가 어느 방에 있는지, 어느 나라에 있는지, 침대의 어느 쪽에 누워 있는지조차 알지 못했다. 오직 그 하나의 선만을 알고 있었다. 그리고 머지않아 다시 모든 것을 알게 되리라는 것, 그 단 하나의 기하학적 형태만을 오래 바라볼수록 오히려 더 많은 것을 발견하게 되리라는 것을 알고 있었다.

I woke up to a single line of light - my only point of reference to anything.

I didn’t know which room, or which country, or which side of the bed; I knew only this single line, and that shortly I would know everything else again - and that the longer I could know nothing but this geometry, the more I might discover.

스크린쉐어에서 전시의 한 조각을 가져간 관람객은 콜렉티브 포트레이트에서 전시에 자신의 흔적을 남기도록 초대된다. 각 관람객은 낯선 이의 초상을 그리도록 초대받는다. 이 설치작품은 관람객들이 하나의 커다란 공유 테이블에 둘러앉아 서로의 초상을 그려나가며, 매 만남의 흔적을 남기는 과정을 통해 계속 변화해간다.

Having taken a fragment of the exhibition from screenshare, visitors are invited to leave their mark on the exhibition in collective portrait. Each guest is invited to make a portrait of a stranger. The installation evolves as visitors draw portraits of one another at a large, shared table, leaving traces of each encounter.

“사실, 나는 내가 존재하는지조차 확신할 수 없다. 나는 내가 읽은 모든 작가들이며, 내가 만난 모든 사람들이며,

내가 사랑한 모든 여인들이며, 내가 방문한 모든 도시들이다.”

― 호르헤 루이스 보르헤스

루이스 보르헤스(Louis Borges)의 이 인용구는 에스가 자주 되돌아보는 문구이다.

이 모든 설치작품들과 더불어, 관람객은 그녀의 세계관을 형성해온 엄선된 도서들이 마련된 리딩룸도 만나볼 수 있다.